Efecto Drácula es una propuesta abierta organizada en torno a dos ejes temáticos. Investiga la relación dinámica entre arte contemporáneo y subculturas urbanas juveniles, así como el fetichismo en torno a la juventud en nuestra sociedad.
La muestra se inspira en la figura delvampiro y en la mitología en torno a esta figura dark y atractiva, particularmente sus atributos de gozar de juventud eterna a partir de la ingestión de sangre juvenil y fresca y el no poder reflejarse en espejos.
Discursos en la historia, la antropología, la religión y el folclor sobre Vlad Tepes (1431-1476) —el Drácula histórico—, y la novela de Bram Stoker publicada en 1897, han generado producción cultural sobre el vampiro en la literatura y el cine, y en la subcultura urbana punk y gótica. Si bien el vampiro está presente en nuestro imaginario social, su figura en Efecto Drácula es conceptual y permanece velada.
Efecto Drácula presenta núcleos ubicados dentro de ejes sobre estilos de vida juveniles. Destaca lenguajes formales y técnicas, y yuxtapone artistas de diversas generaciones y de diferentes locaciones culturales.
Más que configurar una narrativa cerrada, Efecto Drácula deja abierta al público su lectura e interpretación. Plantea que el arte es conocimiento visual y conceptual así como forma de pensar crítica, poética y provocadora.
Efecto Drácula responde a las comunidades que han conformado los públicos del Chopo desde las últimas décadas del siglo XX. Los temas interrelacionados e ideas propuestas bregan con temas pertinentes a sus comunidades históricas, así como a los nuevos públicos que desea atraer.
Hoy cubo blanco de innovador diseño, el Chopo sigue siendo una plataforma heterogénea y vanguardista que pone atención a las inquietudes de los jóvenes y a sus subculturas urbanas.
Victor Zamudio Taylor (curador)




Agradecemos a: Steffan Ahrenberg, Pedro Alonzo, Verónica Anaya, Will Berry, Michel Blancsubé, Sandra Cerisola, César Cervantes, Teófilo Cohen, Isabel y Agustín Coppel, Fundación Televisa, Hilario Galguera, La Colección Jumex, Patricia Keever, Argel de León, Eugenio López Alonso, Patricia Marshall, Víctor Mendoza, Marcelino Menéndez, Fernando Mesta, Gabriel de la Mora, ‘Moris’ Israel Meza Moreno, Eric Muñoz, Rosario Nadal Saxe-Coburg, Nils Staerk, David Trabulsi, Sophía Zamudio-Haas


http://www.chopo.unam.mx

Horario de visita: de martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs.
Domingo: entrada libre


artistas participantes

Luis M. Alonzo-Barkigia

Nació en Tijuana, México, en 1973. Estudió en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, en la Universidad de Illinois y en la Academia de Arte de Malmö, Suecia. Desde 2009 vive en Nueva York. Su trabajo se caracteriza por la elaboración de collage, pintura acrílica y vinyl con temas urbanos, caóticos, zigzagueantes. Su paleta es colorida y brillante. Participó en exposiciones individuales y colectivas en México, Monterrey, Guadalajara, Tijuana, Chicago, Malmö y Miami. Hay obra suya en las colecciones de Diana Lowenstein en Estados Unidos, Michael Schultz en Alemania, el Museo de Arte de Malmö y Sandra Azcárraga en México. Ha colaborado en ferias de arte, como el Locust Projects Pulse Miami. Obtuvo mención especial del Banco Interamericano de Desarrollo para “Pintura Joven” en México; así como la beca presidencial de la uic y la beca Arts Studio.

Francis Alÿs

Nació en Bélgica en 1959. Estudió en el Instituto de Arquitectura de Bélgica y en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, Italia. A finales de los años ochenta se estableció en el centro de la Ciudad de México, escenario perfecto de la cultura urbana contemporánea que el artista ha vivido como un inmenso laboratorio al aire libre. Los abundantes paseos por las calles del centro de la ciudad son el núcleo de su actividad artística. Su obra contiene representaciones, colecciones de objetos, videos, bocetos, dibujos y esculturas. También incursiona en la pintura, la fotografía y el performance. Entre sus exposiciones destacan muestras individuales en el Museo de Arte Moderno de México, el Museo Reina Sofía y el Antiguo Colegio de San Ildefonso; así como numerosas colectivas, entre las que cabe mencionar las del Museo de Arte Moderno y el PS1 de Nueva York, el Museo Guggenheim de Bilbao y el Kunst Werke de Berlín, y las bienales de Venecia, La Habana y Estambul.

Carlos Amorales

Nació en la Ciudad de México en 1970. Estudió en Ámsterdam, en la Academia Rietvelt y en la Rijksakademie van beeldende kunsten. Vive y trabaja entre Ámsterdam y la Ciudad de México. Su trabajo se expresa a través del performance, la instalación, el graffiti, el dibujo y la animación. Creó el proyecto discográfico “Nuevos Ricos” junto al músico Julián Lede y el diseñador André Pahl, combinando artes visuales, performance y música electrónica, rock y pop. Ha presentado su obra en el Museo Universitario de Ciencias y Artes, la Galería Tate del Reino Unido, el moma de San Francisco, el Centre Pompidou de París. En 2003 participó en la Bienal de Venecia representando a los Países Bajos. Su obra forma parte de las colecciones Jumex, Tate Modern, The Museum of Modern Art, Daros Latinoamérica Zurich y Museum Boijmaans van Beunigen de Róterdam, entre otras.

Vanessa Beecroft

Nació en Génova, Italia, en 1969. Estudió Arquitectura en el Liceo Nicolo Barabino, Pintura en la Academia de Bellas Artes de Génova y Escenografía en la Academia de Bellas Artes de Milán. Reside en Los Ángeles, California. Su trabajo se extiende desde el dibujo, la pintura y la fotografía en estudio hasta el performance y el video y abordan la relación de poder entre el hombre y la mujer. Focaliza el rol femenino subalterno en la sociedad, reducido a una dimensión sexual y esteticista. Entre sus exposiciones individuales y performances sobresale su reciente participación en el Mercato Ittico, VB66, Italia; Padiglione d'Arte Contemporanea, VB65, Italia. Ha expuesto y realizado acciones en Nueva York, Los Ángeles, Venecia, Corea, Alemania, Londres, Francia entre muchos otros lugares desde 1995. Ha realizado más de cien muestras individuales, nacionales e internacionales.

Will  Berry

Nació en Nashville, Estados Unidos, en 1954. Estudió Pintura en la Universidad de Boston y Arquitectura en la Universidad de Tennessee. Actualmente vive y trabaja en México. Artista conceptual y abstracto. Trabaja con distintos medios, principalmente con pintura, dibujo y grabado. La constante observación de la arquitectura de la Ciudad de México y de los elementos de la naturaleza ha sido una de sus principales herramientas para conceptualizar su quehacer artístico. En su obra se refleja la combinación entre la mirada y la imagen. Uno de sus últimos proyectos es “Music of the stones”, proyecto internacional (con compositores, artistas visuales y escritores) que crea música a partir de impresiones gráficas generadas con piedra volcánica. Ha presentado 16 exposiciones individuales en Estados Unidos y  México y participado en 26 colectivas en México, Dinamarca y diversas ciudades de Estados Unidos. Hay obras suyas en las colecciones del Museo Nacional de la Estampa, Huntsville Museum of Art, Tennessee State Museum, emi, Tour Seasons Hotel, Boult, Cumming, Conners, & Berry; Nashville, Bass, Berry & Sims.

Slater Bradley

Nació en San Francisco, en 1975. Estudió en la Universidad de California en Los Ángeles. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Su trabajo es multidisciplinario, va desde la pintura, el dibujo, la escultura y la fotografía, hasta el video, la instalación y la composición musical. Se vale de la observación y transforma sus temas en algo poético. Su obra se ha relacionado con la de Marcel Duchamp y con la fascinación romántica por la muerte. La temática de su trabajo es variada, ha abordado el tema del doble, la literatura clásica, los tópicos masculinos y la música contemporánea. Destaca su proyecto “Trilogía del Doppelgänger”, en la que su doble simula ser el doble de Kurt Cobain, de Ian Curtis o de Michael Jackson. Desde 1997, ha expuesto en forma individual y colectiva en Nueva York, Long Island, Los Ángeles, San Francisco, Suiza, Alemania, el Reino Unido, España, Austria, Japón, Países Bajos, Portugal, Corea, Dinamarca, Italia, Francia, más de veinte exposiciones individuales y más de cien colectivas.

Miguel Calderón

Nació en la Ciudad de México en 1971. Estudió en el Art Institute de San Francisco. Vive y trabaja en el Distrito Federal. Le fascinan la fotografía, el video, la instalación y la pintura. Fanático de Goya, ha incursionado en videos musicales. El Museo de Arte Moderno de San Francisco lo llamó el enfant terrible del arte contemporáneo de México. Cada pieza que realiza es un trabajo de investigación, se identifica con lo conceptual-accesible para todos. No pretende ser un intelectual. Desde 1994 ha expuesto de manera individual en San Francisco, México, Nueva York, Brasil, España, Francia y de manera colectiva en Guadalajara, San Diego, Tijuana, Dinamarca, Francia, Londres, Austria, Japón, Emiratos Árabes, Polonia, Irlanda. Obtuvo el premio al mejor film del Art Institute de San Francisco, 1994; una mención honorífica de la Bienal de Fotografía de México, así como una beca en video del fonca.